#EntrevistasCP – Kinder: “el espacio de lo instrumental nos deja bastantes posibilidades exploratorias”

Kinder acaba de presentar su cuarto y más reciente álbum de estudio Desastres Naturales para Niños (2023). Se trata de diez temas en los que la banda de rock instrumental explora nuevos procesos de composición en el que ha sido catalogado como su disco más sincero y que cuenta con Sergio Saba (Cecimonster Vs. Donka) y Cristina Valentina como artistas invitados.

Tras presentar Desastres Naturales para Niños en La Noche de Barranco el pasado 27 de abril en un show sold out, Kinder se prepara para emprender su primera gira por Europa durante mayo que los llevará al prestigioso Dunk! Fest de Bélgica en el que compartirán escenario con grandes del género como Amenra, Mono, God Is An Astronaut, Godflesh y varios más.

Así que hablamos con Mariano La Torre (sintetizadores y secuencias) y Nicolas Gjivanovic (guitarra, sintetizadores y secuencias), los dos miembros fundadores de Kinder, para conversar sobre su cuarto álbum de estudio y el futuro que se avecina para la banda. 

Desastres Naturales Para Niños es su nuevo álbum que presentaron ayer en La Noche de Barranco en un show sold out. ¿Por qué no comienzan hablando del show de ayer?

M: Anoche realizamos este show, un poco entre varias cosas, como una especie de despedida y presagio de lo que iba a ser el viaje. También para comenzar a presentar las canciones nuevas y como parte del proceso de ensayo para tocar allá. Decidimos armar un show también con la idea de que pueda vernos la gente que nos ha apoyado a lo largo de los años. La verdad es que hemos quedado sorprendidos con la acogida. Se llenó, se vendieron todas las entradas que se podían vender, incluso hubo gente que no pudo llegar a entrar y fue una pena. La verdad es que la hemos pasado súper paja anoche.

Se dice que los integrantes ubicaron caos controlado por capas melódicas entre instrumentos análogos y digitales, en otras palabras, más intuitivo que sus anteriores propuestas. ¿A qué se refieren con esto?

M: Es medio raro porque ha sido intuitivo de otra forma. Nosotros siempre hemos compuesto los discos en la sala de ensayo, siempre era jammeando, soltando ideas, cada uno aportaba y comenzaban a salir estas cosas que tenían forma de canción o que podían ser algo interesante y comenzaban a evolucionar a partir de ahí. Siempre ha fluido bien orgánico pero con la pandemia no nos podíamos juntar y tuvimos que recurrir a otros recursos, como comenzar a grabarnos y compartirnos los audios. En mi caso, yo no sabía usar software de audio y comenzamos a experimentar con sonidos, grabar cosas y las poníamos en un Drive. Era un caos pero medio orgánico porque la gente comenzó a agarrar lo que le interesaba de ahí. Por ejemplo, Nico soltaba una guitarra y Lucho le hacía una batería y luego yo venía y le ponía un sinte. Yo soltaba algo que quería que se hiciera y la gente le había parado más bola a otra canción que solita se comenzaba a armar. Tanto así que habían discusiones sobre terminar esta pero la otra está más paja y comenzar a avanzar así, bien orgánico.

N: Lo que creo también es que la pandemia no obligó un poco, porque habíamos comenzado a componer el disco antes de la pandemia, “Winnie Looper” ya la teníamos lista de antes. Y nos dimos cuenta rápidamente que era una buena oportunidad para usar muchas de las máquinas y efectos y aparatitos que a veces no los llevamos al ensayo porque se hace un poco complicado usarlos en vivo como parte del proceso de composición. Lo intuitivo viene un poco de ese lado, porque el comenzar a componer las canciones con las cajas de ritmos, o un sampler o software y creando sonidos sobre los cuales luego se estructura la canción también fue un proceso intuitivo. Nosotros no somos especialistas en música electrónica o grandes conocimientos de síntesis. Es más bien un proceso como un juego. Empezar a tocar y ver qué sale, y eso se convierte en una canción. y se lo pasas a otro, y el otro te lo devuelve con otra velocidad. Es una especie de ping pong a ciegas. A veces le das a la pelota y a veces no, y va evolucionando.

Kinder es principalmente una banda instrumental a pesar de tener cantantes invitados y no tener letras deja mucha libertad para interpretar la música. ¿Cómo es compartir ideas entre ustedes cuando se trata de música instrumental?

M: nosotros hemos crecido escuchando un montón de música distinta, somos melómanos todos, y además de muchos géneros, no solo de música instrumental. Es más, más de música con voz. No sé si Mariano está de acuerdo conmigo pero hago un paralelo con el arte. Tú en el arte puedes tener arte abstracto, que la gente entienda e interpreta a su manera, en la que quizás el artista imprime lo que siento o sucede en el proceso creativo que se va dando de manera orgánica, y que luego la gente puede interpretar a su forma. Lo que a nosotros nos interesa es probar cosas nuevas, tratar de probar otras formas de componer, otras maneras de aproximarnos al sonido. El espacio de lo instrumental nos deja bastantes posibilidades exploratorias y poder invitar vocalistas. Nosotros nunca hemos descartado la posibilidad de que haya voces en algún momento nuestras. Vemos la voz como un instrumento más que podrían aparecer. De hecho, en este disco hay un par de canciones que tienen voces tipo Vocoder, otras voces nuestras sampleadas.

Eso también deja mucho peso los títulos en cuanto a la interpretación. ¿Por qué no hablamos del título del álbum y esta temática entre la inocencia y nostalgia pero también el poder y la catarsis?

M: Un día en una reunión de amigos, una amiga comentaba que su hijo estaba interesado en el tema de los desastres naturales, que le encantaba ver videos respecto a los desastres naturales. Yo me quedé pensando sobre qué es lo que entiende un niño por un desastre natural y qué puede representar la palabra desastre. ¿Qué es un desastre para alguien como un niño que se está formando y comenzando a ver el mundo? Un poco lo enlazaba con esta parte del proceso del disco súper intuitiva, en la que pasan cosas que uno no controla, que uno no esperaría que pasen en la música. Te hablo específicamente en el audio, en el sonido, con las máquinas, con las baterías, que de pronto parecen caos que luego uno puede ordenar de alguna manera.

También, durante el proceso de composición del disco, Mariano y yo, que somos los más viejos y miembros fundadores, siempre nos remitimos al tema de lo que vivimos en nuestra infancia y nuestra adolescencia, a nivel de bandas que escuchábamos en ese momento, música con la que nos hemos reenganchado de esa época, conversaciones sobre películas y juguetes de los 80. Por ahí algunos guiños en los títulos o samplers. La idea era esa, tener un título que reflejara todas estas ideas sobre crecer, sobre sufrir. No quiero decir el desastre como algo necesariamente catastrófico sino como ir a otro lado.

M: Todo lo que dice Nico sobre esto para niños y jugar con la creación musical se acerca al comienzo de la banda. La banda tenía ese approach, previo a ser instrumental, cuando teníamos cantante y era una especie de indie-rock-pop. En ese momento estábamos aprendiendo a usar los instrumentos, si bien sabíamos tocar, nunca habíamos tocado en vivo ni habíamos pensado en tocar en vivo. Nos pasaron la voz para una grabación. Ahora también, durante estos dos o tres últimos discos siempre se han sampleado cosas, siempre se ha jugado con eso pero nunca tan presente como ahora, una canción que se base en eso o que tenga tanto significado lo que pueda decir un sampler de los 80 o los títulos de las canciones. Por ejemplo, “Dream Master”, un monton de gente y nosotros decíamos que parece como un video juego, la entrada es como una patada en la cara y es hacia adelante. Algunos de esos nombres como “Winnie Loooper”, parte de la canción que es un loop constante y parte de Winnie Cooper de Los Años Maravillosos.

M: es un juego de palabras y al final todo termina siendo un juego. La palabra natural también aparece vinculada con el desarrollo del arte y todo el concepto del disco, que tiene que ver con qué cosa es lo natural. Las máquinas, el hecho de samplear, de grabar algo y ponerlo al revés y volver a grabar sobre eso. Qué tan análogo o orgánico es un sonido. Si es algo natural. Si una guitarra acústica sientes que es más natural que una caja de ritmos en la que pones play. También buscar esa cosa entre lo que se puede entender como natural y orgánico y lo que se puede entender como máquina. Juega por varios lado pero al final creo que la idea es que la interpretación sea igual que la música, que la gente pueda pensar en qué entiende sobre un desastre natural.

M: Volviendo a las letras, hasta con letras que son súper directas, no tan abstractas, igual la gente las interpreta distinto. Si está hablando sobre mi enamorada o mi hermana o mi chamba porque estoy enamorado de mi chamba, no sé. Yo creo que en lo instrumental también te da más para escucharlo. Mucha gente se queda más pegada porque te lleva a un sitio y es lo que nosotros tratamos. Ya sea lento o rápido o fuerte o suave, tratar de llevarte por un sitio y dejarte ahí o darle vuelta 180 grados, o que sea un viaje suave y largo. En este disco hemos tratado de tener algo variado en cuanto a eso, desde la intro al outro.

Cuéntennos sobre los músicos invitados, Sergio Saba y Cristina Valentina. ¿Qué los motivo a elegir a los dos?

M: Lo mismo que te decía del concepto del disco, colaborar, probar y volver a las raíces, esta no es la primera vez que grabamos con Cristina y Sergio. Es más, es el tercer tema que hacemos con Sergio y el segundo con Cristina. Más allá de voz o lo que sea, cuando se estuvieron haciendo las canciones, cuando sentíamos que necesitaba una voz, ya estábamos encaminados a que si era una voz de mujer ya sabíamos que era una canción para Cristina. Somos súper fans de ella, me parece una de las mejores, sino la mejor voz que hay en el Perú. El registro y color de voz que tiene es distinto a otras cantantes de acá. Y con Sergio somos muy amigos y hay confianza, no solo en el proceso de composición sino en conversar de lo que queremos para la canción.

En el primer disco él tuvo una canción que es bien del tipo de música que él hace, un post-hardcore bien acelerado, una canción bien Cecimonster vs Donka. En esta canción es todo lo opuesto, entra a cantar sobre una base de sintes electro y él comienza a cantar al medio. Tratamos de jugar con todo lo opuesto a ver qué sucedía y quedó paja. Con Cristina también se hizo algo bien bonito porque le dimos un espacio para cantar con varias opciones de melodías nuestras y ella entró y se paseó como quiso y salió una cosa increíble.

N: además somos amigos, como dice Mariano, son personas con las que podemos tener llegada y conversar. Es como parte de la familia musical de Kinder.

En mayo se van de gira por Europa con cuatro fechas. ¿Cómo surgió esta gira y qué es lo que más les emociona de este tour?

N: Algo interesante que mencionaste es el tema de la música instrumental. Otra cosa que termite la música instrumental es que no haya fronteras. No quiero decir que sea más fácil llegar a otros países, porque no lo es para nada, pero de alguna manera que en un circuito de bandas instrumentales que todos están más o menos en la misma onda a nivel de lo que pueden comunicar. Nosotros entablamos una relación con una disquera asociada que es LeRock. Acá trabajamos con Anti-Rudo pero en Chile con LeRock también. Tuvimos la experiencia de viajar a Chile antes de la pandemia en el 2018, también viajamos a México, y comenzamos a hacer contacto con bandas de allá. En Chile hay una movida mucho más fuerte de bandas instrumentales o no necesariamente instrumentales todas, pero en la onda de lo que hacemos. Nos invitaron a tocar en el Dunk! Festival en Bélgica en el 2020 y llegó la pandemia. Ya teníamos pasajes comprados, el tour armado. Tuvo que postergarse eso hasta el 2023 y ahora vamos de nuevo. Es el festival ancla de nuestro viaje, los otros son show satélites, el Dunk! es uno de los festivales más importantes en Europa de este género. Somos la primera banda peruana que está yendo por allá.

M: El Dunk! siempre ha sido el festival más grande de post-rock del mundo.

N: no sé si del mundo, pero de Europa, o Bélica (jajaja).

M: ¿Cuál es el más grande? Porque el ArcTanGent es más de math rock. El Dunk! Es más post-rock o ambiental. Es más, nosotros creo que somos muy alegres para ese festival, es un poco más denso. Hay harta música clásica. Por ejemplo, el pata que ganó el Oscar a mejor banda sonora para Sin Novedad en el Frente va a tocar en el Dunk! Hay gente tipo José Tomás Molina, gente que hace soundtracks, cosas así.

N: pero hay bandas grandes también. Está Mono, la banda japonesa de post-rock. Está tocando Caspian, God Is An Astronaut…

M: Como se canceló esto en el 2020 y 2021, el año pasado hicieron una cosa más chica con ganas de la zona y se guardaron para este año. Este año los headliners casi son todos los headliners de todos los años pasados pero juntos. Nosotros estamos afanadazos. Son como 50 bandas en tres días.

Se están acercando a los 20 años de carrera y entre tocar próximamente en el Dunk! o abrirle a The Cure en el Estadio Nacional, ¿Cuáles son los momentos que recuerdan con más cariño en la historia de Kinder?

M: bueno, The Cure de todas maneras.

N: The Cure, de todas maneras, y yo creo que va a ser el Dunk!, solo que aún no lo hemos vivido. Le hemos abierto a Battles, que es una de mis bandas favoritas.

M: México a nosotros nos marcó… o sea, Chile fue increíble pero en México nos pasó esto de turear como la clásica de tocar, levantarse y tocar al día siguiente. Lo vivimos poco tiempo pero sí hicimos esta gira de subirse a una van, probar sonido, comer, tocar, dormir y así tres días seguidos. Es bien machete, no sé cómo lo hacen las bandas grandes por un mes entero. Me acuerdo haber estado a Nuevo León o San Luis y todos en la van decíamos “mira dónde estamos y adónde estamos yendo”. Estábamos afanadazos.

N: yo creo que nos han pasado cosas increíbles que no nos hubiéramos imaginado cuando estábamos empezando con la banda, sobre todo por ser una banda instrumental en un país como Perú donde no hay mucho acceso a las radios o ese tipo de cosas para lo que hacemos, poder haber abierto el concierto de The Cure, tocar con bandas de afuera. Para mi es cuando sale un disco, hace un par de semanas salió este disco y yo lo escuchaba y decía “guau”. Siempre quiero que salga uno nuevo pero después de todo el esfuerzo que cuesta sacar un disco, digo qué bien que hemos llegado a sacar nuestro cuarto disco.